HISTORIA DE LA CERAMICA (cap. 7)

Europa ( del 500 a 1850 aproximadamente)

 A medida que se desarrollaron las técnicas y habilidades y crecía la demanda de las vasijas de superficies lisas, se desarrollaron cuatro grandes grupos de cerámica. Desde el mundo islámico se extendió a través de toda Europa el uso del vidriado blanco opaco, dando la cerámica vidriada al estaño, mucha de la cual estaba decorada con dibujos pintados. El segundo grupo eran las cerámicas vidriadas al plomo, que habían sido desarrolladas por los romanos y fueron continuadas por los ceramistas de Bizancio y más tarde en Europa occidental. El uso del vidriado a la sal por los ceramistas germanos produjo el tercer grupo, cuyo principio se sitúa en el siglo XV; el cuarto grupo está constituido por las porcelanas finas del siglo XVIII.

 

Italia

Primeras cerámicas (aproximadamente 500-1200 d. C.)

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Durante el período del 500 al 1000 d.C., continuó de forma diferente la tradición anterior de la cerámica romana, pero la caída del gobierno central y el consiguiente declive de las artes significó que, en esta época, se hiciesen pocos nuevos avances. El contacto con el Imperio bizantino, a través de Venecia y Ravena, al norte, fue probablemente el responsable del amplio uso de vidriado de plomo. Excavaciones recientes han sacado a la luz una serie de objetos de cerámica doméstica producida alrededor del siglo VII y VIII, con vidriado al plomo verde oscuro amarillo. También se han encontrado en Ostia, el puerto de Roma, y en la misma Roma, recipientes que datan del siglo IX y cuya decoración en su mayor parte está limitada a líneas onduladas o aplicaciones de pellitas de arcilla en forma de rosetas.
Durante los siglos XI y XII se importaron de los países musulmanes vasos decorados, que se colocaron a menudo en los muros exteriores de las iglesias, como la de Pisa, para utilizarlos como decoración. A menudo se dejaban huecos especiales en las paredes para sostenerlos. Los vasos, aunque eran muy admirados, no se colocaban nunca en el interior de las iglesias, probablemente porque venían de un país pagano. No pasó mucho tiempo para que esta cerámica decorada fuese imitada en Italia por los ceramistas italianos.
Es interesante que Italia, un país con larga tradición pictórica, tuviese que adaptar la técnica de la pintura sobre la cerámica y desarrollarla como una rama de las artes del Renacimiento. La decoración de mucha cerámica, especialmente la hecha en el siglo XVI, es a menudo superior a la forma y es la pintura lo que más se valoró. De alguna forma esto contradice uno de los principios básicos de la cerámica, el de que la forma debe dominar sobre la decoración de la superficie, y se opone al criterio usual para la evaluación del trabajo del ceramista. La cerámica italiana debe ser contemplada para disfrutarla desde un punto de vista diferente, aunque los procesos decorativos desarrollados en Italia fuesen esencialmente los utilizados por los ceramistas. Una serie limitada de colores, impuestos por los óxidos colorantes y un método de pintado directamente sobre la superficie absorbente del vidriado sin cocer, lo que elimina el borrado y el repintado, condujeron al desarrollo de un estilo de decoración recia y fresca, que solamente puede considerarse como una rama del arte de la cerámica.
El barro cocido vidriado al estaño, solamente comenzó a conocerse como mayólica en el siglo XV. El nombre se derivó de la cerámica vidriada al estaño importada de España en barcos mallorquines. La mayólica italiana puede dividirse en tres grupos distintos, basados principalmente en el tratamiento decorativo.

Estilo formal o severo (aproximadamente 1400-1500 d. C.)

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En el siglo XV la cerámica italiana vidriada al estaño desarrolló dibujos más formales debido a dos grandes influencias. Del norte de Europa llegó el estilo gótico y de España el estilo oriental.
En general, las formas tendieron a ser las mismas hechas durante el período arcaico, aunque en general se hicieron más elaboradas y los dibujos y las formas se relacionaron intencionadamente de una manera que posteriormente fue ignorada. La parte inferior de los cuencos y el interior de las vasijas se vidriaban de blanco, y con frecuencia estaban decorados. Diversas regiones produjeron cerámicas, muchas de las cuales tenían una característica local. La paleta se hizo más amplia y rica incluyendo colores primarios, junto con el verde, morado y marrón.
En el siglo XV el intenso comercio entre Florencia, Pisa y Lúea, en Italia y Barcelona y Valencia, en España, trajo a Italia la rica cerámica hispano-musulmana de Valencia. Alrededor de 1420 las cerámicas valencianas verde y morado inspiraron un estilo original italiano pintado con follaje, a partir del cual se desarrolló un estilo decorativo de gran elegancia, conocido como la «familia verde florentina». El patrón consistía en un dibujo repetitivo, recordando las plumas del pavo real, pintado generalmente en verde sobre fondo blanco. En Toscana, en particular en Faenza, se hicieron una serie de jarros globulares con dos asas, utilizando un azul ultramar vivo y, alguna vez verdes, con un ligero relieve. El principal motivo de decoración, derivado de un dibujo valenciano, estaba formado por hojas de roble.
Los ceramistas italianos del siglo XV eran incapaces de hacer cerámica de lustre, e imitaban sus efectos con colores amarillo y morado, pintados sobre el vidriado sin cocer. A partir de estas imitaciones se desarrollaron algunos tipos soberbios de decoración, con figuras pintadas totalmente por italianos, añadidas a los motivos de fondo originales españoles.
Las ideas decorativas góticas se reflejaron en dibujos más tradicionales en la cerámica. Los motivos utilizados aparecen como tipos o símbolos y no como imágenes pictóricas. Durante esta época aparecen como dibujos, follaje, haces de luz radiantes, iniciales, monogramas sagrados, emblemas heráldicos, figuras religiosas y animales.
Un período de gobierno más estable durante la segunda mitad del siglo mostró el comienzo de un nuevo estilo de decoración más relacionado con el Renacimiento. La paleta adquirió calor y a menudo se utilizó el naranja, en lugar del amarillo lima.

Estilo renacimiento (aproximadamente 1500-1600 d. C.)

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Por el 1500 la técnica de la mayólica estaba muy introducida en gran parte del norte de Italia. Centros individuales estaban claramente definidos por sus propias características. Toda la naturaleza de la decoración de la cerámica se había separado de la basada principalmente en la influencia española y gótica, pasando a otra que reflejaba la actitud del Renacimiento, y se desarrolló un estilo completamente indígena.
En esta época, los lugares favoritos de reunión eran las farmacias, que estaban prodigiosamente decoradas, con tarros de mayólica para drogas, pintados ornamentalmente. Esta moda, junto con la costumbre contemporánea de exponer grandes platos decorativos sobre aparadores y mesas, alcanzó su cumbre en este período. Esto animó a los ceramistas a producir cerámica rica mente decorada. Comenzaron además a surgir artesanos ceramistas individuales, en gran parte debido al patrocinio de la nobleza rica.
A menudo el trabajo de estos artesanos fue tan altamente valorado como el de las de bellas artes y tenían, además, la ventaja de un medio duradero. Los estilos locales de pintura influenciaron la decoración de la cerámica y muchos dibujos eran copiados directamente de dibujos de artistas famosos.
Aunque las formas se hicieron más complicadas y ornamentadas, fueron a menudo eclipsadas por la decoración. Un plato o cuenco podían, con frecuencia, tener una forma bastante intrincada, reflejando la influencia del trabajo en metal y podían usarse para proporcionar el fondo de una composición pintada detallada. Sin embargo, la pintura estaba aún relacionada con la lograda por la mayólica, más que con la pintura al óleo, aunque en el nuevo estilo pictórico, conocido como «historiado», que generalmente ilustraba una historia, se representaban escenas complicadas con gran detalle. Los temas mitológicos comenzaron a reemplazar a los religiosos y se introdujeron cupidos, sátiros y delfines. Sin embargo, en Umbría, el hogar de san Francisco, los temas religiosos continuaron siendo los más populares.
Los centros de cerámica desarrollaron en distintas zonas estilos y técnicas característicos independientes. En Castel Durante, en el ducado de Urbino, el estilo historiado alcanzó su cumbre en el trabajo de Nicola Pellipario. Su trabajo estaba a menudo inspirado por grabados de artistas contemporáneos (1540-1547), aunque éstos nunca fueron simplemente copiados, sino interpretados para la técnica de la cerámica. Sus dibujos de animales tienen una vivacidad flexible, como si estuviesen equilibrados para moverse con facilidad, y a menudo aparecen en paisajes idílicos. En estos dibujos los colores estaban delicadamente combinados.
La cerámica de lustre se hizo por primera vez en Deruta, cerca de Perugia, utilizando las destrezas aprendidas de los musulmanes, que huían de la reconquista cristiana de España. Desde aproximadamente 1500 en adelante se hicieron en Deruta una madreperla dorada y un lustre rubí. Puesto que la decoración de lustre no permitía cambios tonales y su interés residía en los reflejos de la superficie, los dibujos solían ser sencillos y recios. En las primeras piezas se utilizaron combinaciones simples de lustre y otro color sobre un fondo blanco, más tarde las superficies se hicieron en relieve para realzar el efecto de lustre. Se introdujeron escamas, florones y galones, a imitación de los metales preciosos, que captaban y reflejaban la luz. La primera cerámica de Deruta fue bastante convencional, utilizando el borde como orla, alrededor de un motivo central, un busto o un escudo de armas.
Las alfarerías de Cafaggiola gozaron del patrocinio de la familia Médicis y produjeron su mejor trabajo desde 1500 a 1525. Jacopo Fattorino fue un famoso pintor de cerámica, cuyo trabajo tiene a menudo un fondo azul oscuro característico. Es probable que estudiase en el taller de Botticelli o Donatello. En Gubbio, Umbría, la decoración de lustre se llevó a su perfección por el maestro Giorgio Andreoli, quien desarrolló dorados iridiscentes, rojos rubí y plata, con éxito especial. Los dibujos eran a menudo pintados por Nicola Pellipario y lustrados por Georgio Andreoli. Hacia la mitad del siglo se utilizaron fondos coloreados, siendo los colores más comunes el gris y el azul pálido. A menudo se añadía el blanco para las luces altas. En Faenza se desarrolló mucho el trabajo sobre fondo coloreado.
Alrededor de 1556-1557, Cipriano Piccolpasso escribió un tratado de tres volúmenes en el que describió e ilustró con gran detalle las técnicas utilizadas por los ceramistas de mayólica y cerámica de lustre. Se detallaban las formas, colores, recetas de vidriado y decoración y los libros daban un relato fascinante de la práctica en el taller de la época.

Estilo barroco (aproximadamente 1600-1700 d. C.)

A mediados del siglo, la Contrarreforma condujo a un movimiento contra el estilo historiado de representación pictórica. El desarrollo en Faenza, de un vidriado, blanco uniforme fino, estimuló la reducción y limitación de la decoración a pequeñas zonas, a menudo pintadas totalmente en azules o amarillos. Aquí pueden verse las raíces del estilo barroco de decoración que se desarrolló al comienzo del siglo XVII. En este estilo las formas no se limitaban a las hechas tradicionalmente, sino que se basaban en las formas de objetos hechos con metales preciosos. Se produjeron, muchas veces con formas complicadas, servicios de mesa de muchas piezas, bandejas, platos, aguamaniles, refrescantes de vino, candelabros, tarros de farmacia, frascos, escribanías, bustos y obeliscos. La decoración, en su forma óptima, era delicada y limitada a una pelta de azul oscuro y claro amarillo y naranja. Los dibujos eran a menudo vivaces, teniendo el frescor de un apunte y evitando el detalle complicado y lleno de color del estilo historiado.
La cerámica exportada a Francia se conoció como fayenza, por la ciudad de Faenza, uno de los centros de producción y los ceramistas viajaron desde Italia a otros países europeos para enseñar la técnica. Ceramistas italianos se establecieron en Rúan y Nimes, Francia, y en Amberes, Bélgica.
El siglo XVII contempló la vuelta de los temas religiosos a la decoración y un gusto general por las zonas no pintadas. Se introdujeron nuevos colores, como el verde guisante, pero la paleta fue en general limitada. Las formas barrocas fueron bastante complicadas y basadas en objetos de oro, plata, cobre y bronce. La ornamentación plástica aplicada, en forma de monstruos, esfinges, sirenas, etc., y las divisiones interiores en las vasijas, son evidencias del valor declinante de la cerámica y el sentir general de que debía hacerse imitando el metal.

Cerámica vidriada al plomo esgrafiada

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Venecia y Ravena, en el norte, estuvieron sujetas a la influencia de Bizancio, así como lo estuvieron Sicilia, Apulia y Calabria en el sur. Fue aquí donde se continuó y desarrolló la tradición del vidriado al plomo, y alrededor del 1300 d.C. se utilizó un engobe blanco para dar un fondo blanco, a imitación y en competencia con el vidriado blanco opaco utilizado en otras partes de Italia. El dibujo se rascaba a través del engobe, para dejar al descubierto el cuerpo oscuro de debajo y finalmente se aplicaba un vidriado al plomo incoloro. Se hicieron algunas bonitas bandejas con orlas modeladas con motivos de hojas. Más tarde se pintaron sobre el vidriado óxidos colorantes, verdes y marrones, pero éstos resbalaban sobre el vidriado al plomo y el vivo efecto moteado producido era bastante diferente de la mayólica. También los dibujos eran diferentes, estando más relacionados con las influencias góticas que con las renacentistas. El trabajo alcanzó su cumbre en el siglo XVI, cuando se hicieron formas complicadas con ornamentación modelada.

 

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2 Respuestas a “HISTORIA DE LA CERAMICA (cap. 7)

  1. Hola¡ Ha sido una sopresa encontrar su blog. Soy estudiante de la escuela de Arte Cerámico Francisco Alcántara, Madrid, y buscando información sobre cerámica renacentista italiana he encontrado, por fin, la fotografía de las “bellas”, la jarrita con el retrato femenino. Me ha encantado su blog, ya que soy una “yonqui del arte”. (sobre todo del barro). Esta todo muy bien explicado. Si me lo permite, se lo recomendaré a mis compañeros de clase. Ya tiene una seguidora mas.
    Un abrazo¡

  2. Hola, estoy sorprendido de encontrar al fin algo sobre la ceramica italiana, soy un estudioso de la porcelana y llevo tiempo buscando alguna buena informacion sobre la porcelana italiana, si tiene algo favor comunicarmelo a mi correo hercaso 2010@yahoo.com , gracias ya que ha sido muy interesante leer sobre la ceramica renacentista. un abrazo.
    Herbert 3 de junio2012 a las 14:15

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